Les gagnants du Luxembourg Art Prize

La sphère du vivant ainsi que les transformations de la matière dues au passage du temps se retrouvent au coeur du travail de l'artiste, qui entame depuis plusieurs années un processus de récolte de matériaux qui portent en eux la trace d’un vécu : poussière, cendre, charbon, peaux mortes, souches d’arbres... Ces éléments sont combinés de manière inattendue et les œuvres ainsi créées portent en elles à la fois une délicatesse mais aussi une « inquiétante étrangeté », donnant vie à un bestiaire hybride dans lequel des créatures des profondeurs abyssales côtoient des petits oiseaux des îles oxydés, des ours, des loups, des émeus, des chouettes, mais aussi des licornes …

Pratiquant à la fois la peinture, le dessin et la sculpture, Lionel Sabatté tâche de faire dialoguer l’ensemble de ses oeuvres dans une interconnexion permanente. Ses recherches sur le minéral, l’animal, l’organique en somme, donne lieu à des oeuvres poétiques, sensibles, troublantes et qui participent à une réflexion globale sur notre condition et la place que nous occupons dans notre environnement.

« Le recyclage activiste de Sabatté ne se résume pas à un souci écologique et environnemental. On peut hasarder un « saut » salvateur. Ce recyclage témoignerait, peut-être, d’un jeu d’inquiétudes pour la survie du vivant, de l’attente d’un sursaut pour l’échappée espérée d’une implacable condition existentielle informulable, désormais, dans les termes simplement « humanistes » de l’après-guerre. Les collectes de « moutons de poussières » effectuées à la station de métro Châtelet à Paris, le recollement des peaux mortes auprès des pédicures afin de les enter à des ferrailles, à du bois, du ciment, des arbres morts, rappellent l’industrie des chiffonniers d’antan et l’activité de ramassage des enfants et des femmes recherchant dans les amas et les montagnes d’ordures des décharges sauvages d’Afrique et d’Asie de quoi consommer, échanger, vendre, pour survivre. Le chiffonnier, évoqué par Baudelaire, cette « figure la plus provocatrice de la misère humaine » selon Benjamin, est celui qui cueille tout : « les vieux papiers, les bouchons, les os, les rognures de carton, les clous, le verre cassé, les chats et les chiens morts jetés sur la voie publique, en violation des ordonnances, les cheveux, en un mot tout ce qui pourra être vendu ». Dans les tas d’ordures, les rejets, les résidus, le rebut, Victor Hugo décelait « la prairie en fleur », l’herbe verte, la vie. Les œuvres de Sabatté parcourent tous ces registres et nous fait entendre, en écho, cette notation de Benjamin comparant l’écrivain Siegfried Kracauer à cette figure du Lumpenprolétariat (« prolétariat en haillons »): « Un chiffonnier, au petit matin – dans l’aube du jour de la révolution ». C’est ainsi qu’il faut voir ce jeu de navette entre nature et culture qui se déporte, tout en acceptant de les aborder, de toutes les réflexions sur ce thème central de la pensée occidentale » — Bernard Ceysson, 2019.

« Le monde de l’imaginaire peut sembler plus réel que la réalité elle-même »

Depuis 2013, mon travail consiste à tisser des photos sous forme de tapisserie de Gobelins.
À l’origine, le terme « Gobelin » pouvait uniquement être utilisé pour les tapisseries réalisées dans la manufacture des Gobelins à Paris. Aujourd’hui, il est utilisé pour parler des tapisseries tissées d’une manière générale. J’utilise le terme Gobelin parce que j’aime la sonorité du mot, mais surtout parce qu’il a une connotation historique.

À l’origine, les Gobelins étaient destinés à isoler les murs froids à l’intérieur des châteaux. Très tôt, la fonction décorative de ces tapisseries est cependant devenue prépondérante. Traditionnellement, les Gobelins racontent des histoires. J’utilise la forme moderne de cette technique de tissage ancestrale pour représenter des récits d’aujourd’hui.

Dans mon travail, je dépeins des situations afin d’évoquer des histoires chez les spectateurs. J’essaie toujours de ne pas être trop littérale, les spectateurs ont alors un espace pour découvrir leurs propres histoires. Je pense que l’évocation d’histoires est importante, car j’estime que notre capacité à les raconter est une partie essentielle de notre être. J’ai longtemps travaillé dans le secteur de la santé. Là, j’ai compris que si une personne n’était plus capable de parler d’un événement, même anodin, elle perdrait progressivement le sentiment de signifier quelque chose, de « compter ».

Lorsque j’ai une idée pour une nouvelle œuvre, j’essaie de trouver un emplacement adapté, mais aussi les vêtements, chaussures et accessoires qui vont avec.
Sur place, je mets en scène l’ensemble de la situation, puis je prends des photos à l’aide d’un retardateur ou en faisant appel à un assistant.
L’un des grands thèmes de mon œuvre est l’aliénation. Je choisis soigneusement des robes, des sacs, des chaussures du passé. Avec eux, je veux renforcer le sentiment d’aliénation de l’environnement.
C’est également cette logique qui est à l’origine de ma décision de tisser plutôt que d’imprimer.

Mes travaux sont en quelque sorte des performances personnelles que j’immortalise en photo.
Dans toutes mes œuvres, je suis moi-même le modèle. Bien sûr, c’est pratique parce que je suis toujours disponible. Mais pour moi, c’est également un élément essentiel du processus de création : créer un certain « monde » et en faire partie moi-même à ce moment précis, pour vivre un instant cette situation.

Lorsque j’obtiens une bonne photo, je la transforme en motif de tissage. Avec le tisserand, je choisis les bonnes couleurs de fils de laine et de coton. Ensuite, quelques échantillons sont tissés. En me basant sur ces échantillons, je peux encore apporter des modifications et des ajustements, après quoi le Gobelin final est tissé.
En fonction de l’image, je détermine si le Gobelin doit être tissé en couleur ou en noir/gris/blanc. Sur certains Gobelins, je brode ensuite des parties de l’image pour mettre en valeur certains éléments pour appuyer le thème de l’œuvre.

J’adore la technique de tissage des Gobelins et la broderie, car j’aime le labyrinthe de fils colorés qui tous ensemble forment une image.
J’utilise le charme du matériau pour que les spectateurs s’approchent jusqu’à s’apercevoir que ce que je représente n’est pas toujours si joli.

Sa démarche artistique :

La vie est une accumulation d'expériences et de sentiments. C'est en partant de cette idée que j’ai trouvé un processus de création dans ma peinture. L’idée est de superposer des éléments et des styles différents pour créer un nouvel équilibre. J'ai passé mon enfance à rêver. Mes parents me disaient toujours que j'avais la tête dans les nuages. Aujourd’hui avec un certain recul, je puise dans l'imaginaire de mon enfance et des contes. Mes inspirations viennent souvent de photos anciennes ou bien de mes propres clichés.

L’usage des broderies et des animaux est assez récurrent dans mes tableaux. Les broderies font référence à la transmission des connaissances entre les générations. En Hongrie où je suis basé, chaque région possédait ses motifs et son style. La qualité des broderies présentes dans une maison mettait en valeur les qualités et le savoir-faire de la femme. Ce savoir-faire se passait de mère en fille.

Les animaux font partie de l’imaginaire des enfants et sont très présents dans les contes. J’en use comme un symbole de narration pour mes propres histoires, ils deviennent parfois des personnages à part entière.

L’enfance est un fabuleux miroir de l’humanité ou l’on y trouve de la douceur, du jeu, de la violence, de la tendresse, du vice, des questions, de l'amour, etc. Une matière à l ‘état brut que le temps va façonner. L’enfant prend conscience lentement de son état d’Homme avec beaucoup de pureté et de naïveté. C’est cet instant que j’essaye de capturer dans mon travail et ma recherche. J’observe cette transition, choisis mes instants, délocalise mes sujets pour retranscrire une sensation. Michaël Borremans, un peintre contemporain que j’admire, disait pour une de ses expositions que moins une peinture a besoin d'explication meilleure elle est. Quand « j’installe » différents éléments dans une toile j'essaye toujours de garder cette idée en tête. C’est à la fois très difficile et passionnant de composer, de savoir à quel moment l’histoire s’arrête ou continue. Parfois mes toiles se chargent naturellement, parfois elles restent très épurées en fonction du sentiment qui s’en dégage au fur et à mesure que je peins.

Dans son œuvre, tout au long de ces années, l’artiste a été fasciné par les notions de fugacité, d’ontologie, de religion et d’histoire.

Nombre de ses œuvres impliquent l’architecture sous l’une ou l’autre forme : chambres de motels, salles d’attente et bâtiments délabrés, souvent dépourvus de présence humaine, causant fréquemment des sentiments de nostalgie et de contemplation, avec sans doute une touche de miraculeux ou de surnaturel.

Dans son dernier travail, conçu spécialement pour le Luxembourg Art Prize, il se concentre sur ce qu’il perçoit comme étant le principal développement tragique de notre époque. Comme pour tous les changements de paradigme, les bases ont été posées il y a plusieurs décennies et nous assistons à tout ce qui se développe de plus en plus dans un désarroi.

La pression socio-économique, l’immigration, la crise des réfugiés, le terrorisme international et les problèmes climatiques causent de l’anxiété à l’échelle globale. Sous-jacente au sentiment de peur et de manque de contrôle que ces problèmes provoquent, notre société post-vérité émerge, incarnée comme nulle autre par Donal Trump, Président des États-Unis.

L’artiste a utilisé le modernisme, ou plus spécifiquement l’architecture moderniste, comme point de départ pour l’idée qu’il incarnait un esprit plutôt utopiste, abritant des visions idéales de la vie et de la société humaines, ainsi qu’une croyance dans le progrès. Le modernisme était très préoccupé par le rapprochement d’une nouvelle forme architecturale et d’une réforme sociale, créant une société plus ouverte et transparente qui croit en la perfectibilité humaine dans un monde sans Dieu.

La montée en puissance de Joseph Staline a poussé le gouvernement soviétique à rejeter le modernisme au motif d’un prétendu élitisme. Le gouvernement nazi d’Allemagne a jugé le modernisme narcissique et absurde, ainsi que les « Juifs » et les « Nègres ». Les nazis ont exposé des peintures modernistes aux côtés d’œuvres de malades mentaux dans une exposition intitulée « Art dégénéré ». Les accusations de « formalisme » pouvaient mener à la fin d’une carrière, ou pire encore. C’est pour cette raison que de nombreux modernistes de la génération de l’après-guerre ont estimé qu’ils étaient le rempart le plus important contre le totalitarisme, le « canari dans la mine de charbon ».

Les tableaux présentés par l’artiste au Luxembourg Art Prize abordent ces idées. L’objectif est de transmettre un sentiment d’imminence, le feu y jouant un rôle important. Le feu est l’ancien symbole de la transformation, une constante métaphysique du monde.

Ces bâtiments et ces villas dont la signification a été élargie, passant de la simple fonctionnalité à un statut iconique et symbolique, il les dépeint comme des structures sublimes, transcendantales, convoitées et menacées par des forces impénétrables et menaçantes.

Le sentiment de menace est palpable ; des forces impénétrables et menaçantes envahissent ce symbole de modernité et d’illumination.

Proche du chamanisme, la peinture de John Haverty porte en elle une force introspective ultra visible. « Chaque peinture est un voyage personnel pour moi ». Attaché aux albums rétro des années 60-80, à la culture du skateboard, et à la culture Hot Rod, l’artiste mélange ses intérêts avec ses voyages, « mais je préfère que chacun regarde mon art par lui-même, développe son propre opinion et apporte son imagerie autour de mes œuvres ».
Lunatiques, étranges, féériques, beaux, ou laids, tout dépend, les dessins de l’artiste John Haverty le racontent, « quand je travaille, je me perds. Je suis comme un enfant curieux dans un pays des merveilles psychédéliques ». Ses stylos peuvent ainsi passer des heures sur des détails, des lignes qui l’hypnotisent. Chaque ligne ou point est important pour lui, faisant de son travail une peinture complexe. Mais rarement l’idée qui le guide est complète, « chaque jour est différent, il y a de l’inconnu dans le processus créatif. Comme chaque jour est différent, chaque humeur est différente ». Plus tard en contemplant la pièce finie il retrouve les sentiments et pensées qui l’ont parcouru durant ce voyage, « j’ai des photos qui montrent la réalité de mon passé. Mais mes tableaux montrent les sentiments de mon passé ».
C’est un peu comme ça qu’est apparu son projet monumental, ce tableau géant qu’il a commencé en 2013 : Gangrene. « Mon art, comme l’infection, est un ensemble qui continue de croître organiquement. Gangrène présente un festin visuel ambigu, qui met en lumière des problèmes embarrassant la société… ». Grangrene est une œuvre visuellement violente, qui capte l’œil fortement. La plupart des peintures qui constituent la fresque ont été créées dans sa vingtaine, une période déroutante et pleine de frustration pour beaucoup de gens, et ses peintures émettent beaucoup de ses sentiments. Pourtant John Haverty ne se considère pas comme une personne en colère, les raisons de cette violence viennent d’ailleurs, « ado, je regardais beaucoup de films d’horreur. Le frisson d’être effrayé, et l’amour des monstres classiques, sont mélangés à mes voyages et m’influencent beaucoup. A Cape Cod, ma maison du bord de plage est plutôt sinistre, parfois je sens que je suis en présence d’esprits. Je pense que d’une certaine façon tout cela m’intéresse ».
Par son travail monumental, le peintre donne à voir des œuvres immersives devant lesquels le spectateur s’implique autant psychologiquement que physiquement. « J’ai du mal à utiliser les mots pour expliquer mes peintures. L’intérêt pour moi est visuel. Mon objectif est de capter l’attention du spectateur plus qu’une poignée de secondes ».

J’examine les aspects fondamentaux des images, c’est à dire la ligne. Les lignes sont les moyens les plus intuitifs pour percevoir et comprendre notre environnement. Chaque reconnaissance de structures visuelles dépend de la reconnaissance de lignes. Cette dépendance est due à l’absolue simplicité des lignes. Elles sont tellement simples que rien ne peut être conçu sans elles. Tout peut être construit avec des lignes, mais rien ne construit les lignes. Le seul candidat à une structure sous-jacente à la ligne est le point. Cependant, comme les points sont des éléments importants de mes dessins, je les considère comme fondamentaux de la même manière. L’extrême simplicité de la ligne fournit une esthétique indépendante. Elle ne représente pas une idée puisqu’elle n’est construite par rien d’autre qu’elle. Pour révéler son pouvoir esthétique la ligne a besoin d’être son propre référentiel. Je dessine des lignes non pour construire quelque chose, mais simplement pour dessiner des lignes. Les formes et les motifs qui apparaissent dans mes dessins n’ont pas d’autre intention que de révéler les mouvements des lignes. Celui qui regarde mes lignes est confronté à une entité indépendante.