I vincitori del Luxembourg Art Prize

La sfera di ciò che è vivo e le trasformazioni della materia dovute al passare del tempo sono al centro del lavoro dell’artista che, da diversi anni, è impegnato in un processo di raccolta di materiali che recano in essi le tracce di un vissuto: polvere, cenere, carbone, pelli morte, ceppi d’albero... Questi elementi si combinano in modi inaspettati e creano opere che possiedono sia una delicatezza che una “stranezza inquietante”, dando vita a un bestiario ibrido in cui creature degli abissi convivono con uccellini esotici ossidati, orsi, lupi, emù, gufi, perfino unicorni...

Praticando contemporaneamente pittura, disegno e scultura, Lionel Sabatté cerca di creare un dialogo tra tutte le sue opere in un’interconnessione permanente. In definitiva, dalle sue ricerche sul minerale, sull’animale, sull’organico nascono opere poetiche, sensibili, sconvolgenti, che partecipano a una riflessione globale sulla nostra condizione e sul posto che occupiamo nel nostro ambiente.

“Il riciclaggio attivista di Sabatté non si riduce a una mera preoccupazione ecologica e ambientale. Potremmo azzardare un “salto” salvifico. Questo riciclaggio testimonierebbe, forse, un gioco di inquietudini per la sopravvivenza dell’essere vivente, l’attesa di uno scatto per l’auspicata fuga da un’implacabile condizione esistenziale, che è ormai, nei termini semplicemente “umanistici” del dopoguerra, informulabile. La raccolta di “batuffoli di polvere” realizzata alla stazione della metro di Châtelet a Parigi, il rincollaggio di pelli morte ricavate da pedicure al fine di innestarle in rottami, legno, cemento, alberi morti, ci ricordano l’industria degli straccivendoli di un tempo e l’attività di recupero da parte di bambini e donne alla ricerca nei cumuli e nelle montagne di spazzatura delle discariche selvagge dell’Africa e dell’Asia di qualcosa da consumare, scambiare, vendere, per sopravvivere. Lo straccivendolo, evocato da Baudelaire, questa “figura più provocatoria della miseria umana” secondo Benjamin, è colui che raccoglie tutto: “vecchie carte, tappi di sughero, ossa, trucioli di cartone, chiodi, vetri rotti, gatti e cani morti gettati sulla strada pubblica, in violazione delle ordinanze, capelli, in altre parole, tutto ciò che può essere venduto”. Nei mucchi di spazzatura, negli scarti, nei residui, nei rifiuti, Victor Hugo individuava “il prato in fiore”, l’erba verde, la vita. Le opere di Sabatté percorrono tutti questi registri facendo eco all’osservazione di Benjamin che paragona lo scrittore Siegfried Kracauer a questa figura del Lumpenproletariat (“proletariato cencioso”): “Uno straccivendolo, al mattino presto – all’alba del giorno della rivoluzione”. È così che dobbiamo vedere questo gioco di navetta tra natura e cultura che si discosta, pur accettando di affrontarle, da tutte le riflessioni su questo tema centrale del pensiero occidentale” — Bernard Ceysson, 2019.

"Il mondo dell'immaginario può sembrare più reale della realtà stessa".

Dal 2013 il mio lavoro consiste nel tessere fotografie sotto forma di arazzo di Gobelins. In origine, il termine "Gobelin" poteva essere impiegato solo per gli arazzi prodotti nella manifattura dei Gobelins di Parigi. Oggi è usato per indicare in linea generale gli arazzi tessuti. Uso il termine Gobelin perché mi piace il suono della parola, ma soprattutto per la sua connotazione storica.

I Gobelin erano originariamente destinati a isolare le fredde mura all'interno dei castelli. Ben presto, tuttavia, la funzione decorativa di questi arazzi divenne predominante. Tradizionalmente, i Gobelin raccontano delle storie. Utilizzo la forma moderna di questa tecnica di tessitura ancestrale per raffigurare racconti di oggi.

Nel mio lavoro, rappresento situazioni per evocare storie negli spettatori. Cerco sempre di non essere troppo letterale, in modo da lasciare spazio agli spettatori per scoprire le proprie storie. Penso che evocare storie sia importante, perché credo che la nostra capacità di raccontarle sia una parte essenziale del nostro essere. Ho lavorato a lungo nel settore della sanità. Lì ho capito che se una persona non fosse più in grado di parlare di un evento, anche insignificante, perderebbe progressivamente la sensazione di significare qualcosa, di "contare".

Quando ho un'idea per una nuova opera, cerco di trovare il luogo adatto, ma anche gli abiti, le scarpe e gli accessori da abbinare. Sul posto, metto in scena tutta la situazione, poi scatto le foto tramite l'autoscatto o con l'aiuto di un assistente. Uno dei temi principali della mia opera è l'alienazione. Scelgo con cura abiti, borse, scarpe del passato. Grazie a questi, mi propongo di rafforzare il sentimento di alienazione dal contesto. Questa è anche la logica che sta all'origine della mia decisione di tessere piuttosto che di stampare.

Le mie opere sono in un certo senso performance personali che immortalo in fotografia. In tutte le mie opere, sono io stessa il modello. Questo fatto è sicuramente molto pratico, poiché sono sempre disponibile. Ma per me è anche una parte fondamentale del processo creativo: creare un certo "mondo" e farne parte io stessa in quel momento, vivere per un attimo quella situazione.

Quando scatto una bella foto, la trasformo in un motivo di tessitura. Insieme al tessitore, scelgo i colori adatti dei filati di lana e di cotone. Poi vengono tessuti alcuni campioni. Basandomi su questi campioni, posso ancora apportare modifiche e aggiustamenti, dopo di che procedo alla tessitura del Gobelin finale. A seconda dell'immagine, stabilisco se il Gobelin debba essere realizzato a colori o in nero/grigio/bianco. Su alcuni Gobelin, ricamo successivamente alcune parti dell'immagine per metterne in evidenza alcuni elementi e ribadire il tema dell'opera.

Amo la tecnica di tessitura dei Gobelin e il ricamo, proprio perché amo il labirinto di filati colorati che nel loro insieme formano un'immagine. Faccio leva sul fascino del materiale per avvicinare gli spettatori, finché non si rendono conto che ciò che rappresento non sempre è altrettanto bello.

Il suo approccio artistico:

La vita è un accumulo di esperienze e sentimenti. È a partire da questa idea che ho trovato un processo di creazione nella mia pittura. L'idea è di sovrapporre diversi elementi e stili per creare un nuovo equilibrio.

Ho trascorso la mia infanzia sognando. I miei genitori mi ripetevano sempre che avevo la testa tra le nuvole. Oggi, retrospettivamente, attingo dall'immaginario della mia infanzia e dei racconti. Le mie ispirazioni provengono spesso da vecchie foto o dai miei scatti.

L'uso di ricami e animali è abbastanza ricorrente nei miei quadri. I ricami si riferiscono alle conoscenze tramandate di generazione in generazione. In Ungheria, dove vivo, ogni regione aveva i propri tipici motivi di ricamo e il proprio stile. La qualità dei ricami presenti in una casa valorizzava le capacità e le competenze della donna. Queste competenze venivano trasmesse da madre in figlia.

Gli animali fanno parte dell'immaginario dei bambini e sono molto presenti nei racconti. Li uso come simbolo di narrazione per le mie storie e talvolta diventano personaggi a pieno titolo.

L'infanzia è uno specchio favoloso dell'umanità dove ritroviamo dolcezza, gioco, violenza, tenerezza, vizio, domande, amore, e così via. Una materia allo stato grezzo che il tempo plasmerà. Il bambino prende coscienza lentamente del proprio stato Umano con grande purezza e ingenuità. È questo momento che cerco di catturare nel mio lavoro e nella mia ricerca. Osservo questa transizione, scelgo i momenti, delocalizzo i soggetti per riscrivere una sensazione. Michael Borremans, un pittore contemporaneo che ammiro, ha dichiarato per una delle sue mostre che un dipinto è tanto migliore quanto meno richiede spiegazioni. Quando "installo" diversi elementi in una tela, cerco sempre di tenere a mente questa idea. È molto difficile ed entusiasmante comporre, sapere quando la storia si ferma o quando continua. A volte le mie tele si caricano naturalmente a volte rimangono rarefatte, a seconda del sentimento che emerge man mano che dipingo.

Nella sua opera, nel corso di questi anni, l’artista è stato affascinato dai concetti di fugacità, ontologia, religione e storia. Molte delle sue opere implicano l'architettura sotto l’una o l’altra forma: camere di motel, sale d’attesa ed edifici fatiscenti, spesso privi di presenza umana, cosa che causa frequentemente sentimenti di nostalgia e di contemplazione, con un indubbio tocco di miracoloso o soprannaturale.

Nel suo ultimo lavoro, specificatamente pensato per il Luxembourg Art Prize, si concentra su quello che ritiene il principale sviluppo tragico della nostra epoca. Come per tutti i cambiamenti paradigmatici, le basi sono state poste qualche decennio fa e assistiamo a tutto quello che si sviluppa con sempre maggiore smarrimento.

La pressione socio-economica, l’immigrazione, la crisi dei rifugiati, il terrorismo internazionale e i problemi climatici causano ansia su scala globale. Soggetta al sentimento di paura e di mancanza di controllo che tali problemi provocano, la nostra società post-rivelazione emerge, incarnata meglio che da chiunque altro da Donald Trump, presidente degli Stati Uniti.

L’artista ha utilizzato il modernismo, o più precisamente l'architettura modernista, come punto di partenza dell’idea secondo cui incarnava uno spirito piuttosto utopico, portando visioni ideali della vita e della società umane, nonché una certa fede nel progresso. Il modernismo era assai preoccupato dell’avvicinarsi di una nuova forma architettonica e di una riforma sociale,che creavano una società più aperta e trasparente che credeva nella perfezione umana in un mondo senza Dio.

La crescita del potere di Iosip Stalin ha spinto il governo sovietico a rifiutare il modernismo, in nome di un preteso “elitismo”.Il governo nazista della Germania ha giudicato il modernismo narcisista e assurdo, come gli “Ebrei” e i “Negri”.I nazisti hanno esposto pitture moderniste a fianco di opere di malati di mente in un’esposizione dal titolo “Arte degenerata”.Le accuse di “formalismo” potevano portare alla fine di una carriera o a qualcosa di ancora peggio. Per questa ragione molti modernisti della generazione del dopoguerra hanno ritenuto di essere la forza più significativa contro il totalitarismo, il “canarino nella miniera di carbone” (il “campanello d’allarme”).

I quadri presentati dall’artista al Luxembourg Art Prize si ispirano a quest’idea. L’obiettivo è trasmettere un sentimento di imminenza, in cui il fuoco gioca un ruolo assai importante. Il fuoco è l’antico simbolo della trasformazione, una costante metafisica del mondo.

Questi edifici e queste ville il cui significato è stato ampliato, passando dalla semplice funzione svolta a uno statuto iconico e simbolico, vengono da lui dipinti come strutture sublimi, trascendentali, insidiate e minacciate da forze impenetrabili e minacciose.

Il sentimento di minaccia è palpabile; delle forze impenetrabili e minacciose invadono questo simbolo di modernità e di illuminazione.

Appassionato di sciamanesimo, la pittura di John Haverty ne rispecchia la potenza introspettiva iper visibile. "Ogni dipinto rappresenta per me un viaggio personale". Appassionato degli album rétro degli anni 60-80, della cultura skateboard e della cultura Hot Rod, l'artista miscela i propri interessi con i suoi viaggi, "ma preferisco che ciascuno apprezzi la mia arte a suo modo, si faccia un'opinione e si lasci ispirare dall'immaginazione che la mia arte può infondere".
Lunatici, strani, favolosi, belli o brutti, tutto è relativo ed è questo che raccontano i disegni di John Haverty "quando lavoro, mi perdo. Mi sento come un bimbo curioso in un paese delle meraviglie psicodelico". Le sue matite possono trascorrere ore e ore sui dettagli, su linee che l'ipnotizzano. Non c'è linea o punto che per lui non sia importante, poiché contribuiscono a rendere il suo lavoro una pittura complessa. Ma di rado l'idea che lo guida è precisa "ogni giorno è diverso da quello precedente, il processo creativo si avvale dell'ignoto. E proprio perché non c'è un giorno uguale all'altro, anche l'umore non è mai uguale a se stesso". Poi, contemplando il lavoro ultimato, ecco che ritrova quei sentimenti che hanno attraversato la sua anima durante il viaggio "ho foto che mostrano la realtà del mio passato. Ma i miei dipinti mostrano i sentimenti del mio passato".
Ed è proprio così che ha visto la luce il suo progetto monumentale, questo quadro gigante iniziato nel 2013: Gangrene. "La mia arte, come l'infezione, è un organismo che continua a crescere. Gangrène presenta un festino visuale ambiguo che mette in luce problemi che imbarazzano la società...".
Grangrene è un'opera visivamente violenta che attrae con vemenza lo sguardo. La maggior parte dei dipinti che danno vita a questo affresco è stata realizzata quando l'artista aveva 20 anni, un periodo critico e ricco di frustrazioni per tanti giovani e le sue opere trasmettono alla perfezione questi sentimenti. John Haverty non considera se stesso arrabbiato, bensì le ragioni di questa violenza vanno ricercate altrove "quando ero adolescente, divoravo letteralmente gli horror. Quel brivido di paura e la passione per i mostri classici si sposano con i miei viaggi e influenzano la mia arte. A Cape Cod, la mia casa in riva alla spiaggia è piuttosto sinistra, talvolta vi sento oscure presenze. Credo di essere attratto da queste cose".
Grazie alla sua opera monumentale, il pittore permette allo spettatore d'immergersi completamente nelle immagini, sia psicologicamente, che fisicamente. "Non è facile descrivere a parole i miei dipinti. Credo che ciò che conta è quello che si vede. Il mio obiettivo è proprio quello di catturare l'attenzione dello spettatore per più di una manciata di secondi".

Prendo in esame gli aspetti fondamentali delle immagini, ossia la linea. Le linee rappresentano lo strumento più intuitivo per percepire e comprendere il nostro ambiente. La comprensione di qualsiasi struttura visiva si base sul riconoscimento delle linee. Questa dipendenza è legata all’assoluta semplicità delle linee. Le linee sono così semplici che nulla può essere concepito in loro assenza. Con le linee è possibile costruire qualsiasi cosa, ma nulla è in grado di costruire le linee. Il solo candidato a poter vantare una struttura soggiacente alla linea è il punto. D’altronde, giacché i punti rappresentanto altrettanti elementi basilari delle mie creazioni, anch’essi sono parimenti fondamentali. L’estrema semplicità della linea fornisce un’estetica indipendente. La linea non rappresenta un’idea poiché è fine a se stessa. Per sprigionare la sua potenza estetica, la linea deve essere fine a se stessa. Quando traccio linee, non lo faccio per costruire qualcosa, ma semplicemente per tracciare delle linee. Forme e motivi che compaiono nei miei disegni non hanno altro scopo se non quello di rivelare i movimenti delle linee. Chi osserva le mie linee si confronta quindi con un’entità del tutto autonoma.