Os vencedores do Luxembourg Art Prize

A esfera do vivo, bem como as transformações da matéria causadas pela passagem do tempo constituem o cerne do trabalho do artista. Há já vários anos que o artista recolhe materiais que carregam as marcas de uma vivência: pó, cinzas, carvão, peles mortas, cepos velhos de árvores... Estes elementos são combinados de forma inesperada e, assim, criam-se obras delicadas, mas também com uma "estranheza perturbadora", dando vida a um bestiário híbrido no qual criaturas das profundezas abissais se aproximam de pequenos pássaros oxidados das ilhas, ursos, lobos, emas, corujas, mas também unicórnios…

Praticando ao mesmo tempo pintura, desenho e escultura, Lionel Sabatté tenta criar um diálogo entre todas as suas obras, numa interligação permanente. As suas pesquisas sobre o mineral, o animal e o orgânico resultam em obras poéticas, sensíveis, inquietantes e que participam numa reflexão global sobre a nossa condição e o lugar que ocupamos no nosso ambiente.

"A reciclagem ativista de Sabatté não é apenas uma preocupação ecológica e ambiental. Podemos arriscar um "salto" salvador. Esta reciclagem testemunha, talvez, um jogo de preocupações pela sobrevivência do vivo, a expetativa de um começo para a esperada fuga de uma condição existencial implacável informulável, agora, nos termos simplesmente "humanistas” do pós-guerra. As recolhas de "cotão" efetuadas na estação de metro Châtelet, em Paris, a recolha de peles mortas nas pedicuras para inserir em sucata, madeira, cimento, árvores mortas, lembram a indústria dos farrapeiros de outrora e a atividade de recolha efetuada por crianças e mulheres que procuram nas pilhas e nas montanhas de lixo das deposições ilegais de resíduos de África e de Ásia algo para consumir, trocar, vender, para sobreviver. O farrapeiro, evocado por Baudelaire, esta "figura mais provocadora da miséria humana", segundo Benjamin, é quem recolhe tudo: "papéis velhos, rolhas, ossos, pedaços de cartão, pregos, vidro partido, gatos e cães mortos atirados para a via pública, em violação das leis, cabelos, ou seja, tudo o que possa ser vendido". Nos amontoados de lixo, desperdícios, resíduos, refugo, Victor Hugo revelou "o prado florido", a erva verde, a vida. As obras de Sabatté percorrem todos estes registos e fazem-nos ouvir, em eco, esta notação de Benjamin comparando o escritor Siegfried Kracauer a esta figura do Lumpemproletariado ("proletariado mais pobre"): "Um farrapeiro, de madrugada – na alvorada do dia da revolução". "É assim que devemos ver este jogo de vaivém entre natureza e cultura que, ao mesmo tempo que aceita abordá-las, se afasta de todas as reflexões sobre este tema central do pensamento ocidental" — Bernard Ceysson, 2019.

“O mundo do imaginário pode parecer mais real que a própria realidade”

Desde 2013, meu trabalho é tecer fotos na forma de tapeçaria de Gobelins. Inicialmente, o termo “Gobelin” só podia ser usado para tapeçarias feitas na manufatura de Gobelins em Paris. Hoje ele é utilizado para falar de tapeçarias em geral. Uso o termo Gobelin porque gosto da sonoridade da palavra, mas principalmente porque tem uma conotação histórica.

Originalmente, os Gobelins se destinavam a isolar as paredes frias dentro dos castelos. Logo, a função decorativa dessas tapeçarias passou a predominar. Tradicionalmente, os Gobelins contam histórias. Utilizo a forma moderna dessa antiga técnica de tecelagem para representar as narrativas atuais.

No meu trabalho, retrato situações para evocar histórias nos espectadores. Sempre tento não ser literal demais, para que os espectadores tenham um espaço para descobrir suas próprias histórias. Acho que a evocação de histórias é importante, pois acredito que a nossa capacidade de contá-las é uma parte essencial do nosso ser. Por muito tempo, trabalhei no setor de saúde. Lá eu entendi que, se uma pessoa não era mais capaz de falar de um acontecimento, ainda que banal, ela perdia gradualmente o sentimento de significar algo, de “contar”.

Quando tenho uma ideia para um novo trabalho, tento encontrar um local adequado, mas também roupas, sapatos e acessórios para combinar. No local, monto o cenário inteiro e depois tiro fotos com a ajuda de um retardador ou o auxílio de um assistente. Um dos principais temas da minha obra é a alienação. Escolho cuidadosamente vestidos, bolsas, calçados do passado. Com eles, quero reforçar a sensação de alienação do ambiente. Também é essa lógica que está por trás da minha decisão de tecer, e não imprimir.

Meus trabalhos são, de certa forma, performances pessoais que imortalizo em foto. Em todas as minhas obras, eu mesma sou a modelo. Evidentemente, é prático porque estou sempre disponível. Mas, para mim, também é um elemento importante do processo de criação: criar um certo “mundo” e eu mesma fazer parte dele naquele exato momento, para viver, por um instante, essa situação.

Quando tiro uma boa foto, transformo-a em estampa de tecelagem. Com o tecelão, escolho as cores dos fios de lã e algodão. Em seguida, algumas amostras são tecidas. Baseando-me nessas amostras, ainda posso fazer alterações e ajustes. Depois, o Gobelin final é tecido. Dependendo da imagem, determino se o Gobelin deverá ser tecido em cores ou preto/branco/cinza. Em alguns Gobelins, costuro partes da imagem para destacar alguns elementos e ressaltar o tema da obra.

Adoro a técnica de tecelagem Gobelin e o bordado, pois gosto do labirinto de fios coloridos que formam juntos uma imagem. Uso o charme do material para que os espectadores se aproximem até perceberem que aquilo que estou retratando nem sempre é muito bonito.

A sua abordagem artística:

A vida é uma acumulação de experiências e de sentimentos. É a partir daí que encontrei um processo de criação na minha pintura. A ideia consiste em sobrepor elementos e estilos diferentes para criar um novo equilíbrio. Passei a minha infância a sonhar. Os meus pais diziam-me sempre que andava de cabeça nas nuvens. Hoje, com uma perspetiva do passado, recorro ao imaginário da minha infância e dos contos. Inspiro-me sobretudo nas antigas fotografias ou nas minhas próprias fotos.

A utilização de bordados e de animais é bastante comum nos meus quadros. Os bordados referem-se à transmissão dos conhecimentos entre as gerações. Na Hungria, onde estou a residir, cada região possuía os seus padrões e o seu estilo. A qualidade dos bordados presentes numa casa realçava as qualidades e o know-how da mulher. Este know-how era transmitido de mãe para filha.

Os animais fazem parte do imaginário das crianças e estão extremamente presentes nos contos. Utilizo alguns, como símbolo de narração, para as minhas próprias histórias, sendo que se tornam, por vezes, personagens totalmente integradas nelas.

A infância é um espelho magnífico da humanidade, onde encontramos suavidade, brincadeira, violência, ternura, vício, perguntas, amor, etc. Uma matéria em estado bruto que o tempo molda. A criança toma lentamente consciência do seu estado de Homem, com muita pureza e ingenuidade. É esse momento que tento capturar no meu trabalho e na minha pesquisa. Observo esta transição, seleciono os meus instantes, desloco os meus sujeitos para transcrever uma sensação. Michaël Borremans, um pintor contemporâneo que admiro, dizia, numa das suas exposições, que menos uma pintura precisa de explicação, melhor ela é. Quando “instalo” diferentes elementos numa tela, tento sempre levar em conta esta ideia. É, ao mesmo tempo, difícil e apaixonante compor, saber quando a história termina ou continua. Por vezes, as minhas telas acabam por ficarem naturalmente carregadas, e, outra vezes, demasiado simples, em função do sentimento que emana delas, à medida que estou a pintar.

Na sua obra, ao longo de todos estes anos, o artista sempre teve um fascínio pelas noções de fugacidade, ontologia, religião e história. Muitas das suas obras implicam a arquitetura sob uma ou outra forma: quartos de motéis, salas de espera e edifícios degradados, muitas vezes desprovidos de presença humana, que provocam frequentemente sentimentos de nostalgia e contemplação que, sem dúvida, têm um toque de miraculoso ou sobrenatural.

No seu último trabalho, concebido especialmente para o Luxembourg Art Prize, o artista concentra-se naquilo que considera ser o principal desenvolvimento trágico da nossa época. Como para qualquer mudança de paradigma, as bases foram lançadas há várias décadas e nós assistimos a tudo o que acontece cada vez mais confusos.

A pressão socioeconómica, a imigração, a crise dos refugiados, o terrorismo internacional e os problemas climáticos causam ansiedade à escala global. Subjacente ao sentimento de medo e falta de controlo que estes problemas provocam, emerge a sociedade pós-verdade, incarnada como ninguém por Donald Trump, o Presidente dos Estados Unidos.

O artista utilizou o modernismo, mais especificamente a arquitetura modernista, como ponto de partida para a ideia que materializa um espírito mais utópico, com visões idealistas da vida e da sociedade humanas, assim como com uma crença no progresso. O modernismo preocupava-se bastante com a aproximação de uma nova forma de arquitetura e uma reforma social, criando uma sociedade mais aberta e transparente, que acredita no perfeccionismo humano num mundo sem Deus.

A subida ao poder de Joseph Staline levou o governo soviético a rejeitar o modernismo, a pretexto de um pretenso elitismo. O governo Nazi na Alemanha considerou o modernismo narcisista e absurdo, assim como os “Judeus” e os “Negros”. Os nazis expuseram quadros modernistas ao lado de obras de doentes mentais numa exposição intitulada “Arte degenerada”. As acusações de “formalismo” podiam significar o fim de uma carreira ou algo pior. Foi por este motivo que muitos modernistas da geração do pós-guerra sentiram que eram o melhor baluarte contra o totalitarismo: “os canários na mina de carvão”.

Os quadros apresentados pelo artista no Luxembourg Art Prize abordam estas ideias. O objetivo é transmitir um sentimento de iminência, onde o fogo desempenha um papel importante. O fogo é o antigo símbolo da transformação, uma constante metafísica do mundo.

Estes edifícios e cidades cujo significado alargou-se (deixaram de ser espaços simplesmente funcionais e passaram a gozar de um estatuto icónico e simbólico) são retratados pelo artista como estruturas sublimes, transcendentais, cobiçadas e ameaçadas pelas forças impenetráveis e ameaçadoras.

O sentimento de ameaça é palpável; forças impenetráveis e ameaçadoras invadem esse símbolo de modernidade e iluminação.

Próxima do xamanismo, a pintura de John Haverty possui uma força introspetiva extremamente visível. “Para mim, cada quadro é uma viagem pessoal”. Influenciado pelos álbuns retro dos anos 60-80, a cultura do skate e a cultura Hot Rod, o artista combina os seus interesses com as suas viagens, “mas prefiro que cada pessoa olhe para a minha arte de forma independente, desenvolva a sua própria opinião e traga o seu imaginário para as minhas obras”.
Lunáticos, estranhos, feéricos, bonitos ou feios, tudo depende, os desenhos do artista John Haverty são um pouco de tudo “Quando trabalho, perco-me. Sou como uma criança curiosa num país de maravilhas psicadélicas”. Assim, as suas canetas podem passar horas sem fio a trabalhar os detalhes e as linhas que hipnotizam o artista. Cada linha ou ponto é importante para si, o que torna o seu trabalho numa pintura complexa. Contudo, a ideia que o norteia raramente é completa “todos os dias são diferentes, o desconhecido faz parte do processo criativo. Como todos os dias são diferentes, os estados de espírito são diferentes”. Mais tarde, ao contemplar o trabalho acabado, encontra os sentimentos e os pensamentos que o acompanharam durante a viagem: “Tenho fotos que mostram a realidade do meu passado. Mas os meus quadros mostram os sentimentos do meu passado.”
Foi um pouco assim que surgiu o seu projeto monumental, um quadro gigante que iniciou em 2013: Gangrene. “À semelhança de uma infeção, a minha arte é um ser que continua a crescer de forma orgânica. Gangrene apresenta um festim visual ambiguo, que evidencia os problemas que embaraçam a sociedade...”.
Gangrene é uma obra visualmente violenta, que capta logo a atenção. A maioria das pinturas que constituem este fresco foi criada quando o artista estava na casa dos 20 anos, um período perturbador e cheio de frustrações para muitos jovens, e as suas pinturas transmitem bastante esses sentimentos. Todavia, John Haverty não se considera uma pessoa revoltada. Os motivos para esta violência têm outra origem: “Na minha adolescência, via muitos filmes de terror. Os calafrios provocados pelos sustos e o amor pelos monstros clássicos misturaram-se com as minhas viagens e influenciam-me bastante. Em Cape Cod, a minha casa à beira-mar é deveras sinistra. Por vezes, sinto que estou na presença de espíritos. Penso que tudo isso me fascina de certo modo”.
Através do seu trabalho monumental, o pintor apresenta obras imersivas perante as quais o espetador se envolve tanto psicológica como fisicamente. “Tenho dificuldades em explicar as minhas pinturas com recurso às palavras. Para mim, o interesse é visual. O meu objetivo é captar a atenção do espetador durante mais do que alguns segundos”.

Eu foco-me nos aspetos fundamentais das imagens, ou seja, as linhas. As linhas são os meios mais intuitivos para perceber e compreender o nosso ambiente. O reconhecimento das estruturas visuais depende do reconhecimento das linhas. Tal dependência decorre da pura simplicidade das linhas. São de tal forma simples que nada pode ser concebido sem as mesmas. Tudo pode ser construído com linhas, mas nada pode ser construído sem linhas. O único candidato a uma estrutura subjacente à linha é o ponto. Contudo, como os pontos são elementos importantes dos meus desenhos, considero-os igualmente fundamentais. A extrema simplicidade da linha fornece uma estética independente. Ela não representa uma ideia porque não é construída por nada mais do que ela própria. A fim de revelar o seu poder estético, a linha precisa de ser a sua própria referência. Desenho linhas não para construir alguma coisa, mas simplesmente para desenhar as linhas. As formas e os motivos que surgem nos meus desenhos servem meramente para revelar os movimentos das linhas. As pessoas que observam as minhas linhas deparam-se com uma entidade independente.